Born at sea

Texto_ Lourdes Rodríguez

La fascinación que provoca, los sentimientos que evocan los que viven en y para el mar, la inmensidad inabarcable… Dani Garreton, chilena de nacimiento, como muchos otros artistas ha quedado presa de sus redes, prendada del salitre. Y su obra no puede disociarse del mar, fuente de inspiración para sus ilustraciones. Clone ha tenido el placer de conocer a esta fantástica diseñadora.

Comenzemos por el principio, Dani, cómo empezó todo: afición, vocación, profesion?
Desde que tengo uso de razón siempre me ha fascinado el dibujo… Mis padres son arquitectos y recuerdo lo increible que me resultaban esos estantes llenos de lápices de colores, tenían muchos de esos marcadores Pantone y me acuerdo que sólo el olor a tinta cuando uno los destapaba ya me producía placer. Me podía pasar tardes enteras dibujando. Mi mamá siempre nos fomento la creatividad y nunca nos compraba juguetes que vinieran “listos” siempre era algún material con lo que se podía seguir creando, Legos, lápices, plasticina etc. Creo que la idea de poder crear algo a tu antojo que de otra manera no existiría me parece increíble… El dibujo es el primer pensamiento, es materializar la idea de la manera mas pura… Esa libertad que da el dibujo de poder plasmar lo que imagines me fascina.

Cuando terminé el colegio entré a estudiar Diseño en la Universidad de Chile y luego en la HFBK de Hamburgo. Trabajé un año en una agencia de Diseño allí y luego nos mudamos con mi marido a San Sebastian por razones laborales y porque necesitábamos el mar cerca, fue aquí que mis dos pasiones, el dibujo y el mar, se unieron y empecé a dedicarme 100% a la ilustración.

El mar, marineros, gaviotas, barbas… Una misma temática y el sello Garreton, explícanos que te evoca el mar y por que lo eliges para protagonizar indirectamente todas tus obras.
El mar es el que me da la inspiración para darle vida a mis ideas, cada vez que me sumerjo en el agua salada salgo con buenas energías, creo que es una especie de purificación. Siempre me ha intrigado que bajo ese manto azul exista tanta vida que no conocemos, no me canso de la infinita bondad que tiene el mar hacia nosotros, como sigue entregándonos tanto a pesar de que lo maltratamos…. Busco a través de mis ilustraciones trasmitir un poco de la pasión y el respeto que siento por el océano y todos los personajes que lo habitan.

¿Cómo se desarrolla tu proceso creativo?
Generalmente después de un buen chapuzón! Todavía con los pies con arena y sal en el pelo… Me encierro en mi taller pongo Keith Jarret de fondo y empiezo a bocetear… A veces me frustro porque no logro encontrar ninguna idea que me convenza pero me pasa muchas veces que en la cama antes de quedarme dormida me llega toda la inspiración de una vez, así que al día siguiente me levanto y manos a la obra. Creo que es un proceso muy cíclico, mientras mas ideas se concretan hay mas posibilidad de que nuevas ideas nazcan y el proceso de percepción-concepción-expresión fluye cada vez mas rápido y eficiente. Uno entra en un ritmo creativo muy rico.

Alamar es tu ultima expo, cuéntanos que tal esta siendo la experiencia?
Ha sido ¡increíble! es recién mi segunda expo individual pero la primera tan grande. La sala Nautilus tiene casi 100 metros cuadrados y hay 40 piezas en exhibición… Creo que no hay mejor lugar para mi arte que el Aquarium, tener a mis marinos rodeados de agua y peces, que es de donde pertenecen!
La recepción del publico ha sido muy gratificante, he vendido casi un tercio de la muestra a Donostiarras que vibran con el mar y también he mandado obras a Alemania, USA y Finlandia, así que mis marinos están navegando por todos los mares.

Y para terminar, ¿Qué proyectos tienes en mente?
Ahora estoy organizando una expo en Guethary para Junio; en Julio hago una colaboración con Rip Curl para customizar una tabla en vivo que después ira a una expo en el Rip Curl Pro en Peniche, Portugal.
Además tengo un par de proyectos de diseño grafico y de algunas otras cosas relacionadas con el arte y el surf. Por el momento pasito a pasito y tratar de que mi arte llegue a la mayor cantidad de personas.

Más info en dagarreton.tumblr.com

OFFF es una de las citas imprescindibles del calendario anual de la creatividad mundial. Desde su primera edición de 2001, consagrada al Flash (¡ya ha llovido!), ha ido convirtiéndose en uno de los encuentros referentes de la escena, tanto por la congregación de los mejores artistas y personalidades del sector, como por su particular idiosincrasia, que lo sitúa justo a medio camino entre la profundidad de una feria profesional y el gamberrismo de un festival.

En OFFF uno aprende muchísimo pero se lo pasa mejor todavía, y a poco que nos guste el arte nos veremos irremediablemente atrapados por su propuesta. Porque OFFF, en realidad incluye toda clase de disciplinas, que van desde el diseño editorial, gráfico y web a la animación, pasando por la ilustración, las instalaciones, la creación de tipografías, la fotografía, el cine o el pensamiento, sobre la tecnología en particular y sobre cualquier otra cosa en general. Tras su nacimiento en Barcelona y unos años de paseo internacional que lo llevó a visitar Nueva York, Lisboa, Oeiras y París, en 2011 volvió a su ciudad natal y a uno de sus recintos clásicos: el CCCB. Para su duodécima edición, OFFF, que de vanguardias sabe un rato, se propone estrenar el nuevo edificio del DHUB (Disseny Hub de Barcelona), proyectado por el arquitecto Oriol Bohigas, situado a los pies de la Torre Agbar y concebido para convertirse en un lugar imprescindible para la creatividad catalana. Después de haber marcado tendencia durante años y años, enseñando el camino a otros festivales, este año OFFF ha decidido apostar por nuevos talentos, descubriéndonos propuestas refrescantes y que a buen seguro pronto se convertirán en clásicos.

De este modo, del 17 al 19 de mayo podremos disfrutar con las charlas de artistas y estudios como Champagne Valentine, el equipo de interactivos de The Guardian, Emil Kozak (que bien sonará ya a nuestros fieles lectores; entrevista CLONE pinchado aquí), Fall On Your Own Sword, James Victore, Jonathan Harris, Sehsucht o Yuko Shimizu. Además, no podemos esperar a ver qué nos tienen preparados Brosmind (entrevista CLONE pinchado aquí) y Upper First para esos OFFF Barcelona 2012 Main Titles que prometen ser únicos y divertidísimos.

Tenéis toda la info en www.offf.ws/2012

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De las calles a los estudios

Texto_ Maru Sánchez

Considerado como uno de los grandes del nuevo street art, Belin personifica el sueño de todo incipiente graffitero. De las calles a los estudios, y de ahí a prestigiosas salas europeas, su trabajo es el fruto de una inquieta mente humanista en pleno siglo XXI. Escultura, pintura y murales hacen del currículum de Belin una estupenda golosina para el circuito artístico.

Eres uno de esos afortunados que ha pasado de expresar tu arte de manera clandestina en las calles de una ciudad a ser cabeza de cartel en algunas de las más prestigiosas galerías de España y del resto del mundo. ¿Qué te inspira esta evolución cuando miras atrás?
Me inspira seguir adelante, saber que existen un millón de posibilidades para mí a para todo aquel que tenga algo que expresar. Hablo de la perseverancia, de la constancia de seguir tu sueño hasta el final o el principio de otro.

Gigantes del mundo de la moda como Dockers o Carhartt han contratado tus servicios. ¿Es fácil trabajar para una marca? ¿Cómo se negocian los márgenes de creatividad e independencia?
Básicamente es muy fácil pues estas marcas te contratan por tu estilo y lo que quieren es su imagen impregnada con él, así que es muy sencillo.

Un poco al hilo de lo anterior, y tornando al panorama patrio, ¿qué proyectos te entusiasmaría llevar a cabo? ¿Alguna marca Made in Spain con la que no te importaría compartir ideas?
CNF WEAR, me parece una marca nueva e interesante que va con mi estilo de color .

Hablemos de tus esculturas, sin duda una de las joyas de tu corona particular. ¿Cómo fue el salto del 2D al 3D?
Surgió un día en el que comencé a modelar lo que pinto aunque ya previamente mi mente trabaja en 3d.

Mezcla de hiperrealismo con un toque de dantesco e incluso burlesco cualquiera diría que te has empapado horas y horas de la peor telebasura. ¿Qué te sirve de inspiración a la hora de moldear estas increíbles figuras?
Los personajes que me rodean, caras buenas para pintar o esculpir, detalles de rostros a los que después agrego historias.

En tu opinión, ¿crees que ha cambiado mucho el panorama cultural en nuestro país desde que empezó la crisis o simplemente han desaparecido las caretas y las máscaras?
Bueno creo que España siempre se ha mantenido activa culturalmente. Afortunadamente siempre hay gente a favor de ella, la crisis lo único que incentiva es la poca ganancia que el arte pueda tener.

¿En qué andas metido actualmente?
Ahora mismo, estoy encerrado en mi estudio trabajando nuevas técnicas , vengo de un viaje intenso por México, de conocer a sus muralistas y sus coloridos, me apetece mezclar nuevas texturas y colores con mis personajes.

¿Un propósito platónico para este año?
Quiero llevar mi trabajo a todo el mundo, quiero trabajar con personas interesadas en crear un mundo paralelo lleno de arte y color.

¿Y uno más mundano?
Ser reconocido mundialmente por mi trabajo en el mundo artístico.

Más info en www.belin.es

Como extra el vídeo del “cómo se hizo” el mural de La Leyenda del Lagarto en Jaén. Un trabajo de Belin junto con el artista J. F. Ríos.
Ver video [pinchando aquí]

Sonar 2012  la distancia entre dos puntos

Texto_ Serena Ávila

El otro día escuché decir que leemos un libro antes de comenzar a leerlo: cuando empezamos a forjar hipótesis a partir de la biografía de un autor, un título, una reseña…. Con el festival del Sónar me sucede exactamente lo mismo. El proceso ocurre del siguiente modo: comienzo el mes de enero con el recuerdo del festival del pasado junio, quizá porque ya son dieciocho años creciendo juntos. Antes de llegar a la primavera, con la memoria llena de mis anteriores saltos de escenario en escenario de día y de noche, ya sé que este año una cruz negra, difuminada en sus límites, será el logo referencial; quizá por aquello de que el año pasado gran parte del dinero recaudado se destinó a la cruz roja de Japón, quizá porque los tiempos que corren invitan a recordarnos que lo único que nos queda es ayudarnos los unos a los otros. En cualquier caso me encanta y, con ese espíritu solidario, empiezan a llegar rumores de algunos de los grupos musicales y artistas de vanguardia que participarán en el cartel de este año, léase Mouse On Mars, Squarepusher, Peaking Lights que junto a la confirmación de auténticos monstruos de la escena como Lana del rey, The Roots, Hot Chips, Deadmau5 y Fatboy Slim (por primera vez en el Sónar) y mis favoritos Die Antwoord y James Murphy entre otros, colocan el cartel a la altura de cualquier festival internacional digno de mención y continuidad, espectacular. Aun así, con o sin confirmación, yo ya he decidido y comprado mi entrada porque después de tantos años, ya sé que lo mejor del Sónar es el Sónar. A todo esto, en medio de la alergia primaveral y de las primeras informaciones acerca del próximo cartel, te das cuenta de que te han crecido los enanos. Tres. Three litle men. Y es que antes de terminar mayo, de repente, conocemos el teaser  de la nueva película, La Distancia, producida por Advance Music y dirigido por Sergio Caballero que dos temporadas atrás sorprendió a todos con Finisterrae, película que llegó a estrenarse en salas de cine y se convirtió en uno de los grandes hits de la temporada festivalera. Falta por ver si ocurre lo mismo con este clip promocional, pero a mí no me puede gustar más, pues es evidente, como en la vida, que nada es lo que parece ser.

La imagen es publicitariamente tan inquietante que, desde entonces, no dejo de imaginar que comienza la fiesta en esa central térmica Siberiana con aspecto de rave y futuro encuadre de la madre de todas las fiestas. En palabras del director: Es la historia de un millonario ruso. Bueno, sobre todo es la historia de un robo. Este millonario ruso compra a un artista y su performance, y los encierra en una central térmica en Siberia. Esto no acaba aquí. El millonario se muere y el artista alemán se pone en contacto con tres pequeños hombres a los que encarga que roben algo que llama la distancia.

Apenas faltan quince días para levantar el telón a la luz, el sonido, la actitud, las canciones, la imagen, la música y la magia, el cocktail perfecto para conectar un año más con el espíritu del Sónar.

El festival se inaugura el jueves 14 de junio y se extiende hasta el sábado 16. Este año no hay edición gallega, pero el festival ha dejado su huella en Ciudad del Cabo (el pasado 2 de marzo) y lo hará también en Tokio (21 y 22 de abril) y Sao Paulo (11 y 12 de mayo).

New Order, Die Antwoord, James Murphy, Daedelus Archimedes Show, Cornelius presents salyu x salyu, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, The 2 Bears, Masaki Batoh – Brain Pulse Music, Daniel Miller, Pegasvs, Pretty Lights, Untold, Lolo & Sosaku, Madeon, Ricardo Donoso, Mostly Robot, Keys N Krates, Esperit!, Discodromo, D.Forma, Lenticular Clouds, Stand Up Against Heart Crime, Sinjin Hawke Vs. Zora Jones, Red Bull Music Academy presenta: DJ Harvey, DJ Spinn & DJ Rashad, Brenmar, Nguzunguzu, xxxy, Yosi Horikawa, Jesse Boykins III, Nehuen, Salva, Om Unit, Raisa K, Nightwave, Santiago Latorre, Sizarr, Exeter, Clip!, Doc Daneeka, Club Cheval feat. Canblaster, Myd, Panteros 666 & Sam Tiba y Monki Valley son algunos de los artistas confirmados hasta la fecha.

Aún no ha comenzado y me adentro en su mundo con una información que nunca  defrauda. Tal horizonte de elevación no se ve frustrado, aunque sí puede haber otras expectativas que se vengan abajo para bien, provocando en los amantes de la música el efecto que suelen provocar los buenos libros: sacarlos de sus casillas, dejarlos con esa cara de tonto que anuncia la crisis, el desorden de los cajoncitos donde se guarda la ropa vieja, los prejuicios y la convicción respecto al deber ser de las cosas.

Este año, La Distancia nos aproxima al Sónar, la distancia entre dos puntos. Horizontal y marino. Allí nos vemos, de día y de noche.

Más info en www.sonar.es

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La edición número XV de Territorios llega con una fuerte apuesta por parte del festival hacia su público, en un gesto muy valiente pero no carente de cierto riesgo: ante la cada vez menor aportación de las instituciones públicas, en 2012 se ha programado un cartel espectacular, probablemente el que más estrellas ha reunido de toda su historia, con un precio de abono literalmente ridículo: 40 euros (a menos de un euro por banda, vaya). La idea es que el público responda y ayude a que Territorios pueda seguir en pie, dado que las vías tradicionales de financiación, a estas alturas y con la que está cayendo, son totalmente inviables. Además y como viene siendo habitual en la cita sevillana, hay de todo y todo bueno, empezando por las míticas comparecencias de Iggy Pop con los Stooges originales (bueno, los que quedan vivos), los clásicos underground Mission of Burma o un Tricky que, eones después, se vuelve a aliar con su ex novia, partenaire musical de la época y sex symbol del trip-hop, Martina Topley-Bird. El hip-hop también ocupa un lugar privilegiado en Territorios, con SFDK subiendo al escenario a casi 50 artistas nacionales (Sho Hai, La Excepción, Rapsusklei… ) para interpretar tanto sus grandes clásicos como el reciente “Lista de Invitados”, Falsalarma, Shotta y Griffi, La Groove, Juaninacka… La electrónica cuenta con figuras de primer nivel como Basement Jaxx, Tiga, The Orb, Junior Boys o The Bug. Por último, tampoco dejaremos de reseñar otras propuestas diversas, desde el indie-pop de Lori Meyers, Supersubmarina y Love of Lesbian al dub-reggae de Mad Professor, de los jitazos de Amaral al rock de Guadalupe Plata y Pájaro, del folk intimista de Marina Gallardo a la mega fiesta kuduro de Buraka Som Sistema, que os recomendamos sí o sí.

Hasta un total de 42 grupos se darán cita en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Monasterio de la Cartuja), el viernes 18 y el sábado 19 de mayo. Como para perdérselo, vaya.

Tenéis toda la info en www.territoriossevilla.com

Una exposicion del Centro de
iniciativas culturales de la universidad de Sevilla. CICUS

“¿Que es el graffiti? ¿Que es el llamado arte urbano? ¿Es esto graffiti? ¿Arte? ¿Cuales son los límites? ¿Quien los marca?
Esto No Es Graffiti es una Exposición sobre algo llamado de muchos modos diferentes, etiquetado de muchas formas. Pero en esencia, es creación viva y espontánea, con dispares metodologías, millones de puntos de vista, y sin ninguna regla escrita. Lo único que está claro es que Esto No Es Graffiti. El graffiti está en las calles, y es gratis, disfruta de el mientras existe.”

Texto_ Seleka Muñoz

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Sixe, Mike Swaney, Suso33, SozyOne, Remed, Okuda, Eltono, Seleka, Ausias Pérez, Dems, JoeKing, PantOne, SpY.

Los artistas participantes en la exposición provienen todos del mismo lugar, la Calle. Es el común denominador que tienen todos estos artistas, pero como comenzaron, y como desarrollaron sus respectivas obras es una cuestión aparte. Comenzaron con un juego, y descubrieron el mundo de la pintura. La obra de estos artistas ha trascendido hasta tal punto, que es imposible de clasificar. Instituciones como Tate Modern de Londres, Museo Reina Sofía, Casa de América, Instituto Cervantes, CaixaForum o Museo Thissen-Bornesmiza son solo algunos de los lugares donde se ha expuesto la obra de estos artistas. Este es solo el comienzo, por eso lanzamos una pregunta al aire, ¿Sigue siendo esto Graffiti?.

Del 8 al 31 de mayo.
CICUS – C/Madre de Dios ,1. 41004 Sevilla

Horario: de 11:00 a 21:00 ininterrumpido.
Comisariado por Delimbo
Más info en estonoesgraffiti.com

STOLEN IDEAS

Texto_ Maru Sánchez

El británico Andrew James Jones es uno de esos ilustradores de vanguardia que marcan desde el primer momento. Con su nueva apuesta, Stolenideas, el artista desafía al espectador con un conjunto de imágenes en las que el gusto por lo grotesco es el factor dominante. James recrea un universo repleto de seres de pesadilla que parecen sacados de una versión gore de algún cuento de Lewis Carroll. Con un toque de humor negro, vísceras y bichos se dan cita en dibujos en los que la sexualidad o el gusto por lo escatológico están siempre presentes. Sin duda, un desafío sensorial que enfrenta, sin dejar indiferente, distintas respuestas emocionales ante un mismo mensaje. ¿Estrategia y provocación o sensibilidad humana irónica y descarnada? La suerte está echada y las cartas sobre la mesa, pasen y juzguen ustedes mismos.

¿Cómo explicarías a alguien que no ha podido ver Stolenideas el concepto y la idea de tu colección? Stolenideas era el título original de lo que se ha convertido en LEAD (plomo en inglés), título también de mi último libro, que yo mismo he editado. No obstante, sería erróneo englobar todo mi trabajo bajo el título de Stolenideas. En LEAD se refleja esa amplia realidad, que es mi propia realidad a través de imágenes y escritos, todos ellos recogidos y presentados bajo la forma de libro barato y fotocopiado. En mi propia página www.stolenideas.com se recogen algunas muestras de este trabajo.

Viendo algunas de tus ilustraciones, puede parecer que ese despliegue de lo grotesco no es más que un recurso gratuito o innecesario para transmitir aquello que quieres… No estoy de acuerdo al 100% con esa valoración. Sí es cierto que la exploración de lo grotesco constituye una de las bases en las que recae parte de mi trabajo, sin embargo, trata y recrea propios temas dentro de este amplio abanico.

En una entrevista tuya leí que concebías la creatividad como “la capacidad para replantearse y cuestionarse un objeto o sujeto hasta el punto de que este llegara a convertirse en algo nuevo”. ¿Crees que esto sucede siempre así? Sí, se trata de la capacidad de desarrollar nuestra realidad consensual.

Algunos de tus dibujos recuerdan a las pinturas negras de Goya o incluso a esos seres infernales que El Bosco pintó en el Jardín de las Delicias. ¿Cuáles han sido tus principales fuentes de inspiración y de qué autores beben tus obras? Tanto Goya como el Bosco han sido importantes en la formación de mi trabajo. Otros artistas a los que también admiro son Brueghel, Guillermo Hogarth, James Gillray, James Ensor, Paul Klee, Philip Guston, Robert Crumb, los hermanos Chapman, David Shrigley, Marc Bell, Seth Scriver.

Internet ha transformado el mundo en que vivimos, pero fundamentalmente ha cambiado la percepción que tenemos de él. ¿Cómo crees que ha influido internet en las artes visuales? Internet ha tenido un enorme impacto sobre las artes visuales, personalmente a mí me ha dado el acceso a una audiencia a la que no habría tenido ninguna posibilidad de llegar en la era pre-internet.

Por otro lado, la saturación del mercado visual lleva a una excesiva producción de material, que en ocasiones es muy difícil valorar y posicionar correctamente. En tu opinión ¿qué cualidades son las principales a la hora de destacar en un campo tan concurrido? Es difícil marcar claramente las cualidades exactas que se necesitan para hacerse destacar entre la cantidad de mierda/basura que hay fuera. Sin embargo, tengo la certeza de que si se combinan habilidad y tenacidad, la gente comenzará a hacer caso de tu obra y a partir de ese momento lo que queda es crecer y avanzar.

Londres es la ciudad donde vives y creas. Una ciudad intensa y extrema que no deja indiferente a quien la visita. ¿Qué supone Londres para ti? Aunque yo viva en Londres y esto indudablemente influye en mi trabajo, creo que la base de mi creación surge de la experiencia de crecer en una zona rural en el norte de Gales.

Por último, ¿qué crees que es lo peor que le puede suceder a un artista? La mediocridad.

Más información sobre Andrew James Jones [pinchando aquí] y en su página de facebook.

Texto_ Aurelio Medina

Arranca en unos días en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona una nueva edición del OVNI – Observatorio de Vídeo No Identificado, muestra de vídeo independiente que este año enmarca su profusa programación bajo el título “Del olvido”. Del 8 al 13 de mayo, estos cinco días de maratón de vídeo pretenden reflexionar sobre las realidades más preocupantes de nuestro tiempo, en concreto, hablar de “la experiencia del conflicto con el poder y la inminencia de un enfrentamiento cada vez mayor”.

De entre la amplia selección destacan dos películas que son el núcleo principal de la programación: por un lado, “La Commune”, el estimulante ejercicio político que realizó Peter Watkins en 1999 sobre la comuna igualitaria que se instaló durante 60 días en París en 1871, y “El Mahabharata”, de Peter Brook, “gran poema sobre el olvido” filmado en colaboración con Jean – Claude Carrière en 1989. Contextualizado en torno a estas obras, una serie de documentales y documentos de todo tipo y formato que reflejan la contemporaneidad de estas situaciones, y donde se pondrá especial hincapié en la proliferación de vídeos surgidos tras las protestas sociales del año pasado en Barcelona y recordando conflictos no tan lejanos como los que sucedieron en Génova en 2001 con motivo de la cumbre del G8. Acompañando la proyección en tres partes de “La Commune” (película de imprescindible visionado, más aún en estos días) el grupo Rebond pour La Commune, nacido a raíz de aquel rodaje, realizará un encuentro con otros colectivos de la ciudad, en torno a la película y a sus posibles lecturas contemporáneas.

Una programación de contenido y talante combativo que pretende establecer líneas de continuidad con el presente, partiendo de la significativa aportación social de aquella comuna parisina de 1871 y su proyección en los hechos que siguen acaeciendo hoy día. Además del inminente comienzo de esta nueva edición, el Observatorio de Vídeo acaba de remodelar su web, donde se puede acceder a la mayoría de los vídeos que se han emitido en estos últimos 16 años de OVNI. Así, al alcance de todos los usuarios queda un vasto catálogo de ensayos en forma de vídeo que permiten combatir esa persistencia del olvido. En definitiva, un gran “archivo de denuncia” que posibilite una constante reflexión sobre las dinámicas de poder, cada vez más trasnochadas, coercitivas y alejadas del ser humano.

Toda la información, [pinchando aquí]

La Commune. Foto Corinna Paltrinieri

CONVERSE BLOCK PARTY 2012

“Haz lo que tengas que hacer…pero no te quedes quieto”. Este es el lema de la campaña de Converse Block Party, y así comenzó esta andadura hace un año. Las Converse Block Parties son eventos a pie de calle, con raíces arraigadas en el skate, basket, la música y la cultura de calle.

Block Party ha comenzado a girar alrededor del mundo, Argentina, Shangai, Australia, Francia, y tras celebrarse en Barcelona el pasado Octubre, vuelve a España para celebrar su fiesta en Madrid.

El próximo sábado 12 de Mayo Madrid acogerá la BLOCK PARTY, un gran encuentro al aire libre dedicado al arte urbano y el deporte callejero más vibrante del país. Creado por Converse, en su compromiso por ser una plataforma de creatividad, será un evento gratuito y abierto a todo el público.

Habrá skate por parte del equipo Converse Skate Spain, hip hop a cargo del Chojin, graffiti en vivo con los reputados artistas Lolo Bichenzo, Spok, Jorge Revuelto y Gnio, la instalación artística de Rocío Cañero, Dano DJ set y Tomy Rock DJ set, MC’s showcase de la mano de DJ set de Dj Phet + Doblehache, Basket callejero 2×2 Sport Nova y final de breakdance con Madrid Kingz Flava.

Todos los amantes del arte urbano y el deporte callejero estáis invitados a uniros a esta gran fiesta. ¡No hace falta invitación!

BLOCK PARTY tendrá lugar en La Plaza Luna (Madrid) el sábado 12 de Mayo, de 17 h a 22 h.

Más info [pinchando aquí]

Y ESTO FUE LO QUE PASO

Desde las 17.00 de la tarde y hasta las 22.00 cientos de personas de todas las edades se dieron cita en la Plaza Luna del centro de la capital para vivir intensamente la fiesta del bloque. Madrid se convirtió en un lienzo en blanco donde los grafiteros pintaron una cuidad abierta al mundo llena de color, música y deporte.

El Chojin, Dano, Tomy Rock y Dobleache + Dj Phet + golpe de bases y beats de hip hop hicieron que el público asistente a la Block Party no dejara de bailar en ningún momento.

Aquí el video y más abajo todas las fotos!

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ESCENA. MADRID

Festival de Otoño 2012
Texto_ Vicente Durá

El evento escénico anteriormente conocido como Festival de Otoño, denominado desde hace tres años Festival de Otoño en Primavera, dará comienzo el próximo 9 de mayo en Madrid y se extenderá hasta el 3 de junio, apenas dos semanas antes de que llegue el verano. Espero que pronto le cambien el nombre o las fechas.

Lo que sigue cambiando durante las últimas ediciones es el número de páginas del programa completo en pdf [pinchando aquí], cada vez más cortito, consecuencia lógica de la progresiva disminución de presupuestos y, con ello, del número de espectáculos contratados. Aún así, el Festival mantiene su nivel europeo y un número considerable de funciones (81), a cargo de 24 compañías procedentes de 9 países, entre las que encontramos los grandes nombres de ayer, hoy y siempre, junto a personajes más renovadores y alguna de las revelaciones de esta temporada 2011/2012 que casi termina.

Entre los de toda la vida, quienes serían los cabezas de cartel: grandes compañías como Complicite, Odin Teatret, o el veterano Peter Brook y su Théâtre des Bouffes du Nord, que son para el Festival de Otoño lo que los Chemical Brothers fueron en su momento para Benicassim. En esta ocasión presentan “The Suit”, una nueva concesión al espacio vacío y a la dramaturgia africana que tanto ha marcado los últimos años del director inglés, encarnada en este texto de Can Themba sobre un triángulo amoroso en un gueto del apartheid.

No tan fijo pero bastante asiduo, vuelve también el hartible Robert Lepage, por segunda vez desde que en aquella edición del 2006 se le cayese encima parte del Gran Teatro de Madrid ante la mirada atónita de Pedro Almodovar o Alex Rigola entre el público. Junto a su compañía Ex-Machina, ofrece “Playing cards 1: SPADES “ un espectáculo de 3 horas de duración (breve para como se las suele gastar) en el que exhibe su acostumbrado despliegue argumental, tecnológico y escenográfico, sobre una plataforma circular ideada para ofrecer al espectador una visión de 360 grados. Como advierte el título, se parte de las reglas, los signos, la mitología y los personajes que rodean el mundo de los naipes, para terminar abordando las guerras y choques con la cultura árabe.

Imagen “Playing cards 1: SPADES“. Fotografía_ Érick Labbé

De choques culturales oriente-occidente trata también “Can We Talk About This?”, de DV8 Physical Theatre, dirigida por Lloyd Newson, quien no alcanza todavía el nivel mítico de Brook y Lepage, pero va por buen camino. Su obra se incluye en la exigua sección de danza del programa, aunque es difícilmente clasificable. Se ajusta más a la etiqueta de teatro físico -con su parte textual abrumada por un original concepto del movimiento- más una serie de recursos de lo que se está llamando “documental escénico”: imágenes y testimonios de personas reales, integrados en el desarrollo de la ficción.

A medio camino entre el teatro musical y la performance se desarrolla “Die siel van die mier” (el alma de las termitas) donde una conferencia sobre entomología se convierte en un concierto de jazz contemporáneo con teclados, sintetizador, un violín y un cello distorsionado, todo al mando de la sólida presencia sobre el escenario del prestigioso actor y director belga Josse De Pauw.

Y con menos recorrido pero con gran energía surgen otros nombres, como los de la compañía portuguesa Mundo Perfeito, poniendo en escena una especie de Retrospecter-Mundo Viejuno bajo el título “Se uma janela se abrisse”, aunque, en lugar de películas en blanco y negro, se doblan programas de noticias y actualidad con la misma intención de darle vuelta a todo y hacer reír; o el del coreógrafo cordobés Antonio Ruz, cuya compañía presenta “OJO”, con el respaldo en la producción de la mismísima Sasha Waltz; o la aportación del joven director argentino Pablo Messiez al clásico “Las criadas”, de Jean Genet, etc.

Todo esto y más del 9 de mayo al 3 de junio en Madrid.
Más info en www.madrid.org/fo

Imagen “Can We Talk About This”. Fotografía_ Matt Nettheim

Imagen “Playing cards 1: SPADES“. Fotografía_ Érick Labbé